En Roberts Projects, dos artistas unen la generación, la geografía y los artefactos culturales – SURFACE

Esta temporada en Roberts Projects, dos exposiciones individuales rastrean los distintos enfoques de dos artistas para traducir la experiencia vivida en forma. En fábulas, guineps y la dulzura del desconocimientoSuchitra Mattai pasa de su anterior trabajo a gran escala basado en instalaciones a una práctica más íntima de collage y pintura. Al incorporar páginas de libros históricos, materiales artesanales y cuentos morales, reconcibe la fábula como un lenguaje intercultural, que entrelaza la naturaleza, el folclore y las narrativas humanas compartidas. Su proceso, a partes iguales de investigación e intuición, negocia un diálogo entre imagen e idea, produciendo un trabajo que es a la vez personal y universalmente resonante.

En la galería adyacente, la obra de Esmaa Mahomoud ¿Qué dice Webster sobre el alma? ofrece un estudio sobre la moderación. Su primera exposición individual con Roberts Projects emplea el espacio negativo y una composición espacial precisa para explorar la memoria, el duelo y el paso espiritual. Basándose en la poesía y la música, desde Gil Scott-Heron hasta Dorothy Moore, Mahomoud construye una conversación entre material y ausencia, cuerpo y espíritu. Cada escultura funciona como un recuerdo distinto, su silenciosa intensidad amplificada por el vacío circundante.

Superficie habló con Mattai y Mahomoud sobre sus exposiciones simultáneas y sus puntos en común.

Surface: Este ha sido un año importante de exposiciones para usted, ¡felicidades! Habiendo expuesto tanto como lo ha hecho recientemente, cuéntenos cómo abordó la selección del enfoque y el tema de este trabajo.

Suchitra Mattai: Llevo muchos años haciendo collages, pero nunca los he mostrado en una exposición independiente. Después de salir de algunas exposiciones a gran escala repletas de instalaciones, estaba feliz de dedicarme a desarrollar un solo tranquilo. La pintura siempre ha estado en el centro de mi práctica y estos collages combinan páginas de libros históricos, materiales artesanales y pintura. En nuestro tumultuoso nuevo mundo, sentí que las fábulas, como cuentos morales, encajaban perfectamente. Quería que las ideas fueran accesibles, y las fábulas a menudo encarnan ideas interculturales que están arraigadas en nuestro entorno natural compartido con flora y fauna antropomórficas.

¿Cómo influye su formato como exposición individual frente a exposición colectiva en los temas que puedes explorar a través de estas obras?

SM: Lo hago de forma muy intuitiva. Mi investigación prepara el escenario, pero el trabajo se realiza a través de un proceso de llamada y respuesta. Un solo inspira una especie de libertad. Sin fronteras, el desafío es realizar una serie de obras que compartan un núcleo colectivo. Esto es lo que busqué hacer con “fábulas, guineps y la dulzura del desconocimiento”. En una exposición colectiva, a veces el marco conceptual lo fija el curador. Yo también acepto ese proceso, pero es más desafiante para mí porque hay límites establecidos. Sin embargo, es una hermosa experiencia compartir espacio con otros artistas y combinar energías en un espacio singular.

El papel que desempeña la forma literaria de las fábulas en este espectáculo es deliciosamente inesperado. ¿Puedes contarnos cómo otros medios más allá del arte visual (como, en este caso, la fábula) influyen en tu práctica?

SM: Mi vida familiar es una gran influencia. Vivo con mi marido, profesor de filosofía y cineasta, y nuestros dos hijos curiosos. Vemos innumerables películas, viajamos tanto como podemos, charlamos sobre política y bromeamos sobre ideas y posibilidades durante todo el día. Mis hijos hacen música, diseñan juegos y sueñan. ¡Es una auténtica comuna hippie! Cuando pedí mudarme a Los Ángeles desde Denver hace tres años y medio, todos estaban de acuerdo con la aventura. Me inspiran.

Me interesa el folklore, la mitología, las tradiciones religiosas históricas, la arquitectura, la poesía, la música, etc. Pasé muchos años investigando las tradiciones artísticas del sur de Asia y el colonialismo en el subcontinente y el Caribe. (Soy de una antigua colonia británica, Guyana). Crecí principalmente en entornos en los que era un extraño, por lo que desarrollar una dependencia de una vida interior ha sido esencial. La enfermedad mental también ha contribuido a mi vida como outsider. Me refugio en mi familia, haciendo e investigando.

Surface: Esta es su primera exposición individual con Roberts Projects. Cuéntenos cómo usted y la galería trabajaron juntos para seleccionar las esculturas expuestas.

Esma Mahomoud: En las primeras etapas de imaginación de este programa, consideramos algunas iteraciones antes de aterrizar en el programa que tenemos actualmente. Durante todo el proceso, la galería ha sido un gran apoyo para mis ideas y me ha permitido el espacio y el tiempo para crear sin limitaciones. Fue una exposición ambiciosa y estoy agradecido de haber colaborado en esta exposición con Roberts Projects.

Normalmente me acerco a la creación de una exposición editando intensamente las obras para destilar y ajustar los conceptos de la muestra. ¿Qué dice Webster sobre el alma? No fue diferente a este proceso. A lo largo de los 8 meses de producción, hubo aproximadamente 3 o 4 obras que no llegaron a producirse, a pesar de estar incluidas en la planificación inicial, ya que no eran tan coherentes con la narrativa más amplia de la exposición actual. Todavía tengo una gran confianza en las obras que no pasaron el corte y espero que formen parte de futuras exposiciones.

Era imperativo que el espectáculo no estuviera demasiado lleno; de hecho, confiaba en el espacio negativo para enfatizar aún más el sentimiento de duelo, dolor y pérdida.

Uno de los aspectos más llamativos de esta muestra es su uso del espacio negativo. Parece que hubo un uso muy deliberado del espacio negativo. ¿Cómo llegó a esa decisión y cuál fue su intención/visión sobre cómo afectaría la experiencia de las obras de los espectadores?

EM: Utilicé bocetos para jugar con la composición del espacio en las primeras etapas del mapeo de la exposición. Se convirtió en una herramienta útil para comprender cómo podía manipular el espacio negativo para mejorar la exposición y la experiencia del espectador. Quería que se sintiera como si todas las esculturas fueran recuerdos aislados que coexisten para crear una conversación más amplia sobre la muerte, la decadencia, el alma y el espíritu.

Una consideración importante para mí como escultor a la hora de realizar obras es seguir cuestionando la relación del cuerpo con los objetos y el espacio. A menudo pienso en el espacio negativo como un objeto en sí mismo, a pesar de su intangibilidad. Si bien el espacio negativo en el programa enfatizó demasiado los momentos tranquilos y aisló estos recuerdos e historias, también creó un ambiente impalpable utilizando el espacio vacío y la iluminación. Esto pretende reflejar la noción del espacio “intermedio”, un concepto de transición que existe entre la vida, la muerte y el más allá que involucra el cuerpo y el espíritu.

Nos intrigó ver que el comentario número 1 (1970) de Gil Scott-Heron daba forma al título de la exposición. Cuéntanos cómo otros medios más allá del arte visual (como, en este caso, la poesía) influyen en tu práctica.

EM: Mi práctica comienza con la investigación, a menudo centrándose en cine, música y literatura. Durante los últimos 10 años, he estado acumulando investigaciones e información en un disco duro digital. Parte de la información que he recopilado a lo largo del tiempo ni siquiera se vuelve aplicable o relevante para una obra de arte que creo hasta muchos años después.

Mi mayor fuente de inspiración es la música y la poesía. Dos de las esculturas a gran escala de ¿Qué dice Webster sobre el alma? llevan el título de canciones que han tenido un profundo impacto en mí como mujer negra. Por ejemplo, el título y la textura emocional de mi escultura I Can’t Forget You (My Whole World Turns Blue) están inspirados en la canción Misty Blue de Dorothy Moore de 1968. Aunque originalmente era un lamento de un amor romántico perdido, lo interpreté como la voz de una madre que lucha contra un dolor duradero, lo que influyó fuertemente en las decisiones que tomé con la escultura y cómo debía exhibirse.