El paisaje real, imaginado y experimentado de “La vista desde arriba” de Cooper Cox – SURFACE.

El fascinante trabajo de un artista plástico de Brooklyn. Cooper Cox Transformar las líneas en gruesas pinturas al óleo Para convertirlas en una escena de dimensiones espectaculares Es como una escultura en la naturaleza con “Vista desde el piso superior“, que se puede ver desde ahora hasta el 4 de abril en la Ochi Gallery de Los Ángeles, Cox muestra algunas de sus obras más poderosas hasta la fecha, como paisajes montañosos, relieves pastorales y campos de flores que dejan de moverse temporalmente cada temporada.

Cox produjo el trabajo mientras vivía en la ubicación de Ochi en Idaho. El espacio de estudio del segundo piso de la galería le recordó al artista la vista desde el dormitorio de su infancia en Sun Valley, Idaho, una escena que, según Cox, moldeó su interés por la naturaleza, la escala, la duración e incluso la soledad. Mirar fijamente un cuadro es sentir esto. Y perdido en la quietud que surge del deseo de Cox de suspender el tiempo y el espacio, “como si”, le dice a Surface, cada imagen fuera “contener la respiración” para aprender más sobre su proceso de creación de una atmósfera psicológica. Hablamos con Cox antes de que comenzara la exposición. que abrió al mismo tiempo que Frieze Los Angeles.

Comenzando con tu experiencia en Ochi Idaho, ¿puedes contarnos cómo fue? ¿Cómo ha ocurrido? ¿Y cómo es tu rutina?

Ochi me pidió que pintara una obra que se exhibiría en la galería durante la semana de Frieze Los Ángeles. Volé de Brooklyn a Idaho. Es donde crecí y donde se encuentra Ochi, Idaho, y fundé lo que originalmente iba a ser una residencia de corta duración centrada en producir una sola pintura. Mientras estaba allí, surgió una oportunidad inesperada para abrir una exposición individual en una galería de Los Ángeles durante la semana de Frieze. El cronograma era ajustado y solo ofrecía dos meses para producir todo el material nuevo. en lugar de dudar decidí quedarme y darlo todo. Trabajo los siete días de la semana, a menudo de 12 a 15 horas al día.

La mayoría de las mañanas comienzan al pie de las pistas de esquí. Me levantaba temprano, arrancaba el coche y conducía hasta el centro de bienestar de mi mejor amigo, Monarch, donde pasaba 45 minutos en la sauna. Pintar a ese ritmo era físicamente exigente. Y la sauna realmente me ayudó. Después fui directo a la galería, conocí al equipo y les mostré lo que había hecho el día anterior. Hay muy poco tiempo para descansar. Cualquier pausa, sin embargo, debe ser efectiva. Hacer un mapa de materiales Preparar la superficie o preparar el siguiente lienzo

Lo que empezó como una pintura poco a poco se convirtió en algo diferente. Se extiende a un ciclo de trabajo rico e inmersivo moldeado por la repetición, la disciplina y el autoaislamiento. La intensidad de ese momento está incrustada en la propia pintura.

Estas escenas examinan el paisaje a partir de la realidad, la imaginación y la experiencia. ¿Puedes hablar sobre las diferencias entre estas tres categorías en el contexto de tu arte?

Para mí, estas tres categorías describen diferentes estados de proximidad a la misma fuente.

El paisaje real es el mundo físico. Incluye lugares en los que he estado, conducido o a los que he regresado a lo largo del tiempo. Tiene peso porque es un cuerpo. Hay recuerdos en ello. El clima está ahí. Y hay tamaño en ello. Pero no me importa la transcripción. Y no considero que los paisajes reales sean algo que deba copiarse.

El paisaje imaginario es donde comienza la distorsión. Es lo que sucede cuando los recuerdos, los deseos y la intuición se vuelven a unir. Los colores fluyen, las proporciones fluyen. La lógica espacial se debilita: en ese sentido, el paisaje imaginado no es fantasía. Pero está más cerca de la compresión del tiempo, el lugar y los sentimientos. Muchos combinados en una sola imagen.

El paisaje experimentado se encuentra en algún punto intermedio. No es estrictamente externo ni interno. Es un momento de confrontación. Cuando un lugar atraviesa el cuerpo y se convierte más en un sentimiento que en una descripción. Extraño la temperatura, la luz, los mareos, la calma y la tensión. Este suele ser el nivel que pretendo pintar.

Lo real alimenta lo imaginario. La imaginación remodela la realidad. Y la persona experimentada es el residuo de ese intercambio. Los dibujos no pretenden declarar ninguna categoría. Quiero que floten. Es lo suficientemente memorable como para sentirse con los pies en la tierra. pero no lo suficientemente estable como para sentir el estado de ánimo. Esa incertidumbre es donde los espectadores pueden entrar. Si un paisaje resulta a la vez familiar e imposible de ubicar, empezará a parecerse menos a la imagen de un lugar. y más como un espacio para proyectar imágenes

¿Cómo juega un papel la IA especulativa en cada uno de estos desarrollos?

La IA especulativa entra al proceso menos como herramienta para lograr eficiencia. y más que como un colaborador que causa confusión.

En el panorama real, la IA se ha convertido en una forma de aflojar la lealtad a lo que ya sé. Voy a entrar las piezas. Haciendo referencia a lugares en los que he estado Descripción parcial A veces incluye un estado emocional más que una visión. Y dejemos que genere algunas malas interpretaciones. Esos errores son útiles. Interrumpen mi memoria e impiden que la nostalgia se apodere de ella. En lugar de mejorar la apariencia de un lugar, la IA ayuda a desestabilizarlo. y empujando lo real hacia algo más poroso.

Para paisajes imaginarios, la IA actúa más como un amplificador. Acelera la reunificación. Puedo describir la atmósfera. tensión de color, conflicto espacial y obtener una imagen que se siente mitad consistente y mitad no resuelta. No estoy interesado en recrear esos resultados. pero interesado en responder a esas cosas. A menudo presentaban yuxtaposiciones improbables que yo no podía entender por mi cuenta. Y ese conflicto se convirtió en el punto de partida.

A medida que se vive el panorama, el papel de la IA se ha vuelto más matizado. El paisaje experimentado tiene sus raíces en los sentidos corporales. Y no se puede subcontratar, pero la IA me ayuda a revelar el estado interno. Puedo traducir sentimientos, presión, perturbación, mareos, calma al lenguaje, ver cómo el sistema lo visualiza. Luego mide la distancia entre lo que creé y lo que realmente sentí. Esa brecha ocurrió. Aclara que sólo se pueden editar dibujos.

La IA especulativa no reemplaza ver, recordar o sentir. Los hace complicados. Presenta una capa de mediación que refleja cómo nos encontramos con un mundo filtrado, parcial e inestable. En ese sentido, refuerza el marco conceptual de la obra: que el paisaje no es un lugar fijo. Más bien, es algo que se reconstruye constantemente entre percepción, memoria y proyección.

Ha creado varias obras a gran escala en esta serie. ¿Hubo alguna escala que te obligaron a tomar?

No creo que escalar sea tanto una preferencia como una presión. Las piezas más grandes de este conjunto se sintieron necesarias debido a lo que intentaban conservar. Cuando se trata de paisajes Especialmente imágenes que oscilan entre la realidad, la imaginación y la experiencia. La proximidad por sí sola no es suficiente. Hay algo en la inmersión física que sólo ocurre cuando el cuerpo tiene que negociar con la pintura. Cuando alcance un determinado tamaño la obra dejará de ser la imagen que miras. Y se convierte en el entorno en el que te encuentras.

Dicho esto, no me obligaron a convertirme en algo grande porque sí. El gran tamaño crea riesgo Cada gesto fue revelado. Cada inconsistencia se amplifica. No puedes ocultar los detalles. Me sentí atraído por esa debilidad. Obliga a tener claridad y determinación.

También hay un aspecto temporal. Grandes pinturas registran diferentes períodos de tiempo. Captura las horas acumuladas de una manera visual, editada, en capas y físicamente accesible en la serie, especialmente dada la línea de tiempo comprimida. El tamaño se convierte en una forma de incorporar esa intensidad. Las pinturas se sienten efectivas porque funcionan.

Pero estoy igualmente interesado en la tensión entre lo pequeño y lo grande. Las pinturas pequeñas pueden ser secretas. Es algo a lo que tienes que acercarte y casi inclinarte. El grande se anunció inmediatamente. Lo que me motiva no es un nivel sobre otro. Más bien, es un cambio psicológico que ocurre cuando cambia la relación del cuerpo con la imagen.

¿Puedes hablar sobre tu estilo de textura y la cantidad de color que aplicas a cada trazo?

Para mí la textura es una estructura, no una decoración. No creo que el color sea lo que describa la imagen. Creo que es algo físico. La superficie debe soportar tensiones. Si el paisaje está suspendido entre la realidad y la imaginación La superficie es lo que ancla el momento presente. Hace que la pintura sea innegablemente un objeto.

Utilicé mucho color porque quería que cada trazo tuviera peso. Cuando el color está en negrita registra la decisión. Verás dónde dudé, dónde revisé, dónde me mantuve firme. La visibilidad es importante. Hace que el trabajo sea honesto. Los colores finos pueden crear una atmósfera. Pero los colores llamativos se notaron claramente. Ocupa tanto espacio como terreno.

También hay una relación física. Los grandes golpes requieren alcance y fuerza. A veces estoy rociando pintura por toda la superficie. A veces lo dejo casi como una escultura. La diferencia de presión pasa a formar parte del cuadro. La superficie no es lisa porque la experiencia no es lisa.

La textura y el color trabajan juntos. El grosor del trazo cambia la forma en que incide la luz. Un azul frío con una capa fina se comporta de manera diferente que un rotulador denso del mismo color. La interacción física con la luz es extremadamente importante. Esto se debe a que da vida a la pintura cuando el espectador se mueve.
Al final, la cantidad de pintura que uso tiene que ver con la confianza. El momento de carga dice: Este es el momento. Y cuando cae, tengo que responder.

¿Puedes gestionar tu uso del color también?

El color es donde la emoción entra primero. Antes de pensar en la historia o la composición, a menudo pienso en la temperatura: el clima psicológico al que se enfrentan las pinturas. ¿Retiene el calor? ¿Hace más frío? ¿Está suspendido en algo vago? Los colores crean instantáneamente esa atmósfera.

No uso el color como descripción. El cielo no tiene por qué ser azul. El campo no tiene por qué ser verde. Me interesa más lo que hace el color que lo que representa. Ciertos tonos crean presión. Otros crean liberación. Estaba constantemente ajustando las relaciones en lugar de perseguir lo correcto.
La mayor parte de mi paleta proviene de la compresión. Trabajaré dentro de límites relativamente estrechos e impulsaré variaciones dentro de ellos. Las limitaciones crean densidad. Cuando aparecen demasiados colores no relacionados, la imagen puede comenzar a verse dispersa. Quería consistencia a pesar de que el color era intenso.
También tiene un aspecto fácil de usar en el que creo profundamente. No mapeé la paleta de colores de antemano. Respondo a lo que ya está en la superficie. Un color ofrece otro color. Se convirtió más en una conversación que en un plan.

Al final quería que los colores se sintieran ligeramente inestables, no estáticos ni simbólicos. no es una ilustración. Es como si hubiera más condiciones. Algo que puedes sentir antes de nombrarlo.

Finalmente, ¿hay algo que le gustaría que la gente supiera sobre su práctica o la serie? ¿Qué esperas que noten?

La serie no se basa en una lectura ni en una narrativa fija. Se crea con un estado de visión y percepción. que se encuentra entre la conciencia y la incertidumbre. Si alguien entra buscando un símbolo o una explicación clara, puede perderse lo que realmente está sucediendo en un nivel más tranquilo.

Espero que la gente se dé cuenta de lo fantástico que es este trabajo. Simplemente no es lo que sugiere la imagen. Pero también la forma en que se crea la imagen, el peso de los colores, la acumulación de gestos. El momento en que una superficie se tensa o se abre. También espero que los espectadores se permitan reducir la velocidad. Estos acontecimientos tuvieron lugar durante muchos largos días. Mantienen el período. Pasar tiempo con ellos es importante. Cuanto más tiempo te quedas, más se comportan, menos se comportan como imágenes y más como su entorno.

Si hay algo que quiero que alguien se lleve consigo, se considera permiso para confiar en sus propias respuestas. No necesitas una historia de fondo. No necesitas referencias. Si algo en la pintura crea una sutil reacción emocional. Eso es suficiente. Espero que esta obra se sienta abierta y pueda ser un espacio donde mirar se convierta en una forma de participación.