ENTRADA:
¿Crees que esa podría ser la razón por la que el fotomatón ha sido tan popular entre los artistas durante el siglo pasado?
CQ:
Lo que me gusta del fotomatón es que es como un estudio privado para la experimentación visual. Proporciona una manera fácil de crear, especialmente si no tienes tu propio estudio o un hogar permanente como Lee Godie, quien estuvo sin hogar durante gran parte de su vida. Sólo necesitas traerte tú mismo. Las tiras fotográficas se utilizan a menudo como material de proceso; por ejemplo, Francis Bacon las utilizó como estudios en bruto para sus autorretratos pintados, explotando los distintos ángulos dentro de los cuatro fotogramas. Muchos artistas también han trabajado con el aspecto físico de la tira: Susan Hillier llenó la suya con escritura y James Slattery dibujó sus tiras fotográficas de adolescente, imaginando la identidad futura de la mujer en la que más tarde se convertiría en la escena artística de Warhol en Nueva York, Candy Darling.
Rafael Hortala Vallve (RHV):
Los artistas siempre encuentran los límites de un formato y los superan. Creo que es una cuestión de limitaciones. Las reglas de la máquina (formato simple, tiempo fijo, salida monocromática y proceso mecánico automático) crean un desafío para crear algo extraño y diferente. A veces eso es sin gente. Nos encanta el trabajo de Jared Bark, que creó patrones geométricos cubriendo la lente, y James Goggins, cuya serie Pruebas de color muestran una tabla de colores renderizada en diferentes máquinas, incluida una cabina analógica en blanco y negro como la nuestra. Actualmente estamos trabajando con el artista Paul Elliman, quien usó un fotomatón para interpretar letras en My Alphabet en la década de 1990; y la fotógrafa Jenny Lewis, que colabora con comunidades con enfermedades autoinmunes y utiliza el stand para hacer retratos multigeneracionales con ellos. El fotomatón es una gran excusa para trabajar con artistas y diseñadores a los que admiramos.
ENTRADA:
Seas artista o no, estos miniestudios callejeros disponibles al público siempre han ofrecido un acceso asequible a la fotografía. Sin necesidad de conocimientos técnicos y con un modelo de autoservicio, cualquiera puede ponerse detrás de la cortina y utilizar la cámara. ¿Por qué cree que este concepto ha sido tan revolucionario?
CQ:
A menudo olvidamos lo comunes que eran estos fotomatones; Eran una gran parte de la cultura popular del siglo XX y se encontraban en lugares públicos como galerías, estaciones de tren y en la calle. ¡Podrías ir a las 3 de la mañana y hacerte una foto! Esta accesibilidad en cualquier momento fue bastante revolucionaria y abrió momentos que de otro modo no se habrían documentado.
VRH:
La forma larga y estrecha de esta tira (que viene en un carrete de papel de 180 de largo, para caber en la cabina con espacio limitado) no solo creó una nueva forma para el retrato (la secuencia de 4 fotogramas), sino un nuevo género de imagen, sin jerarquía, sin marcas de tiempo y sin un entorno, que esencialmente puso a todos los que lo usaron en el mismo nivel, presentándolos con la misma calidad visual. Creo que eso es realmente poderoso. La tira fotográfica es tan común, pero tan original a la vez.
CQ:
Lo que parece verdaderamente revolucionario de nuestra era actual es el redescubrimiento de fotomatones analógicos que prácticamente no han estado disponibles durante 25 años, pero que resultan tan familiares en nuestra cultura visual. Una nueva generación llega a esto completamente nueva.
