Películas para ver en marzo

Desde el 20 de marzo

“The Love That Remains” es una oda agridulce a las humildes pruebas y alegrías de la mediana edad del director islandés Hlinur Palmason, mejor conocido por sus vívidas obras dramáticas (buena tierra; White, White Day), pero aquí brilla en un cambio de ritmo que sólo subraya su talento.

El drama se desarrolla a lo largo de un año en las vidas de la artista Anna (Saga Garðarsdóttir) y el pescador Magnús (Sverrir Guðnason), mientras aceptan su separación mientras crían a tres hijos pequeños. Magnus, una figura trágica que nunca ha superado la relación, deambula por la casa con la esperanza de tumbarse entre sus largas peleas en el mar; Anna, que busca exhibir su trabajo, recibe al dueño de una galería de Dinamarca que canta un aburrido “monólogo de la muerte” sin mostrar ningún interés en su arte.

Sin embargo, lo que sucede es a menudo intangible en esta astuta serie de viñetas que retratan la mediana edad en todos sus estados de ánimo siempre cambiantes: trabajo sin sentido, corrientes subterráneas de misterio perdido y extraños ataques de lujuria que sirven como recordatorios melancólicos de pasiones que todo lo consumen. En una escena, un día en el campo da paso a un momento de felicidad cuando Magnus echa un vistazo debajo de la falda de Anna; En otra historia, Magnus es dejado a la deriva (literalmente) por sus compañeros de barco cuando llega la noticia de una emergencia familiar. El paso del tiempo es otro tema: haciéndose eco del estilo de Palmason para incorporar la fotografía a intervalos en su trabajo, la práctica artística de Anna gira en torno a grandes piezas escultóricas de metal que colecciona y luego deja que se oxiden, permitiendo que la naturaleza haga el resto.

Dada la estructura episódica, Palmison puede parecer un poco ligero después del avance de las sagas de Godland. Pero aunque el drama tiene un alcance limitado, el director vincula estos sentimientos locales con la grandeza del paisaje islandés, que se muestra aquí con flores de colores intensos y con sus formas llamativas y familiares. Y si existe la sensación de que su guión escrito por él mismo se está quedando sin fuerza aproximadamente 15 minutos antes del final, eso no hace nada para diluir el abundante encanto de esta película, que captura algo de la calidez y los contornos de la vida familiar cotidiana (su santidad, en cierto sentido) incluso en su forma más caótica e imperfecta.

Desde el 6 de marzo

Cuatro generaciones de mujeres que viven en una granja alemana aparecen bajo una lente fascinante en El sonido de la caída, la segunda película de la directora ganadora del Premio del Jurado de Cannes, Masha Shilinsky. En la década de 2000, Alma (Hannah Hecht), de siete años, es testigo de una serie de traumas familiares demasiado traumáticos para reconocerlos, empezando por el desfiguramiento de su hermano Fritz (Philipp Schnack) en un “accidente laboral” que, de hecho, no es tal cosa. 30 años después, Fritz se convierte en el interés amoroso de su sobrina adolescente Erika (Lea Drinda), cuya sobrina Irem (Claudia Gessler-Bading) vive en la granja unos 40 años después con su hija Angelika (Lena Orzendowski), quien fue abusada sexualmente por su tío. Finalmente, en la década de 2020, una familia berlinesa se muda a la granja, donde sus hijas coquetean con su propia tragedia. El drama de Shilinsky es un inquietante estudio de la opresión de género, cuya extraña edición y diseño sonoro dan forma a un miedo que, como su título, flota en los límites de la percepción misma.

Resurrección

Desde el 13 de marzo

Otra visión hermosa y desconcertante del maestro emergente del cine lento Bi Gunn, Resurrección es una historia de ciencia ficción sobre un futuro en el que los sueños han sido desterrados. La película está protagonizada por Jackson Yee, una estrella de una boy band en su China natal, como un “rave” que se esconde de las autoridades dentro de películas antiguas para perseguir su sueño. Cuando la mujer (Xu Qi) enviada a localizarlo lo encuentra escondido en un fumadero de opio (una impresionante escena inicial llena de referencias a clásicos del cine mudo), se siente intrigada y le permite reproducir escenas de su vida antes de su asesinato. La historia luego se desarrolla como una serie de sueños que reflejan la obsesión de Gunn con el siglo del cine, desde el expresionismo alemán y el cine negro hasta el estilo pop posmoderno de Wong Kar Wai. Es una encantadora carta de amor a la forma, pero sin el tipo de hilo emocional resonante que la respalde, puede ser un reloj frustrantemente solitario.

Desde el 20 de marzo

En su nuevo y conmovedor documental, los directores Jane Pollard e Ian Forsyth crean una premisa un poco tonta; En El Ministerio para no olvidar, una oficina orwelliana encargada de restablecer la narrativa en torno a figuras históricamente incomprendidas, Marianne Faithfull emerge como la principal candidata para su primer caso. Y por una buena razón: una talentosa cantautora que se recuperó de la adicción para ofrecer el mejor trabajo de su carrera, la fallecida actriz, músico y musa británica sigue siendo más conocida (y en cierto modo difamada) por su asociación con los Rolling Stones a fines de la década de 1960. “Bueno, a la mierda”, dice la jefa de la oficina (Tilda Swinton), quien ordena a su colega (George MacKay) que traiga a Faithfull para interrogarlo.

Cuando finalmente aparece el músico, es un shock; Faithfull, una confidente en silla de ruedas, siguió dependiendo de un tanque de oxígeno después de contraer Covid en 2020. Pero rápidamente demostró ser una empresa astuta y desarmadora en una serie de recuerdos de su carrera, que estuvo plagada de misoginia mucho antes de su desafortunado –y en gran medida inventado– enfrentamiento con los tabloides que la sumieron en el escándalo. Este incidente no se discutió con la propia Faithfull, sino con una mesa redonda de mujeres que incluían a Edith Bowman y Natasha Khan de Lashes, en uno de los momentos más creativos de la película. Pero todas las escenas más conmovedoras suceden a través de Marianne, hasta la desgarradora y conmovedora representación del malentendido que sería la última.

Desde el 27 de marzo

Casi dos mil años después del entierro de Pompeya, el Monte Vesubio está volviendo a la vida. Los residentes conmocionados llaman a los servicios de emergencia después de un terremoto de magnitud 3,5: ¿significaba esto que el volcán estaba a punto de entrar en erupción? ¿Estaba siendo monitoreado o a ellos, como a los habitantes de Pompeya preservados por las mismas cenizas que los enterraron, “los dejarían morir como ratas”? El documental de Gianfranco Rossi es una meditación impresionante y poética sobre el paso del tiempo a la sombra del olvido, filmada en un monocromo plateado que drena la zona de Nápoles de su familiar color mosaico. Moviéndose misteriosamente entre propietarios de librerías y constructores de barcos hacia los túneles subterráneos donde se preserva y destruye la historia de la ciudad, su tesis es esbozada sin esfuerzo por un curador anónimo, que observa con tristeza una sala llena de tesoros culturales olvidados: “El tiempo destruye todo, preserva todo y luego regresa a nosotros de una manera inesperada e inesperada”.