Una ventana a la escena surcoreana contemporánea a través del videoarte: esta es la ambición de la exposición K-Now: Korea Video Art Today, expuesta hasta el 19 de julio de 2026 en el Museo MASI de Arte Italo-Suizo de Lugano. Testigos de una guerra no resuelta y atrapados en medio de una rápida transformación, los trabajos en video de ocho jóvenes artistas coreanos seleccionados y un colectivo narran, a través de tres hilos temáticos, la relación entre la tecnología y los cuerpos, la memoria y las tradiciones del país, y las implicaciones de la migración en un mundo del trabajo cada vez más moldeado por las demandas de una aceleración óptima basada en el desempeño.
Los dos valores, Francesca Benigni Desde Massey W Tu yun monsubdirector del Centro de Artes Suneh de Seúl, eligió específicamente artistas nacidos entre los años 1970 y principios de los años 1990, una generación que fue testigo de la transición de Corea del autoritarismo a la democracia y que fue moldeada por la rápida asimilación de las tecnologías digitales. Lo que sigue es una descripción de las ideas detrás de traer un importante estudio sobre videoarte a Suiza, y el contexto que requiere esta elección.
que Tu yun mon ¿Quién explica el método en el título?
“Hemos querido jugar un poco con cómo se reconoce este prefijo, que se ha utilizado, por ejemplo, para nombrar muchos productos culturales, si se me permite la palabra, exportados desde Corea. Estoy pensando en K-drama, K-beauty y K-pop, y en realidad hay bastantes de ellos ahora. En nuestro caso, esto es claramente una provocación.“.
La exposición tiene como objetivo presentar múltiples perspectivas sobre temas comunes capaces de hablar a un público mucho más amplio sobre una cultura que se está expandiendo rápida y significativamente. El videoarte en particular tiene un significado especial para Corea del Sur, con un linaje distintivo arraigado en la historia, la política y el contexto económico. A diferencia de otras formas de arte o tradiciones artesanales, nunca ha estado ligada a un lugar específico; Desde el principio tuvo un carácter transnacional. Los tres temas generales son “Memoria histórica”, “Imaginarios tecnológicos digitales” y “La pantalla como espacio de información”. “juntosEn palabras de Ji Yeon Moon,Estos tres vectores, memoria histórica, imágenes tecnológicas y situaciones performativas, no forman una narrativa lineal sino que más bien se cruzan y se superponen. Lo que los conecta no es la proximidad estilística, sino una sensación de inestabilidad, de percepción mediada, de cuerpos que no se sienten como en casa en el presente que ocupan.“.
En Corea del Sur, el surgimiento del medio de vídeo coincidió con la rápida modernización y democratización del país, tras la modernidad colonial y la división que se produjo después de la Guerra de Corea (1950-1953). El cine entró por primera vez en la vida cultural coreana como una tecnología de espectáculo importada, y durante las décadas de reconstrucción y gobierno autoritario de la posguerra, el cine proporcionó un refugio ficticio contra el aislamiento político. Los cineclubes y centros culturales sirvieron como espacios alternativos para la educación y la promoción. Bong Joon Ho Se encuentra entre quienes abrieron ventanas a la modernidad global. Introducido a finales de los años 1970 y popularizado durante los años 1980 gracias a las cámaras de vídeo y los reproductores de vídeo de consumo, el surgimiento del vídeo coincidió con un aumento global de los movimientos democráticos y el surgimiento de una cultura visual activista que operaba fuera de los círculos tradicionales controlados por el Estado. Mantener el término “videoarte” resalta la tensión entre la obsolescencia física, que es inevitable a medida que evolucionan las tecnologías, y la persistencia conceptual de las promesas de inmediatez, accesibilidad y circulación que el medio continúa evocando.
En sólo sesenta años, Corea del Sur ha experimentado una transformación histórica. Después de un siglo XX turbulento, finales de los años 1980 y los Juegos Olímpicos de 1988 abrieron el camino a la democracia, y Corea emergió como una potencia económica y tecnológica. A partir de la década de 1990, la cultura artística y popular coreana comenzó a extenderse por el mundo, fenómeno conocido como Hallyu, o “Ola Coreana”, tras la apertura del mercado tecnológico y la exportación de productos electrónicos. Somos especialmente conscientes del rápido auge de las series de televisión, la música pop, la cultura de la belleza y la gastronomía. El mercado del arte también ha seguido su ejemplo, y Frieze eligió Seúl como ubicación para su última edición en 2022, un hecho relativamente reciente, junto con otras ferias internacionales. Las generaciones más jóvenes de artistas y creativos tienen que lidiar con la liberación tanto de los medios como del pensamiento, y esta tensión entre lo local y lo global todavía está muy viva aquí en Lugano, en MASI, que presenta una muestra representativa del pensamiento artístico actual a través del videoarte. A diferencia de los lenguajes artísticos más antiguos y tradicionales del país, el videoarte logra actualizar y agudizar una visión muy contemporánea. Así, esta exposición aborda el colonialismo tecnológico transnacional y los recuerdos violentos, pero también la distopía y la economía del trabajo informal. Plantea el problema del futuro y la cuestión de la propia identidad.
Esta actitud crítica hacia el pasado violento queda patente en la primera obra elegida para abrir toda la exposición. ““bosque ciudadano” (2016) por Park Chan Kyung Se trata de una instalación multicanal de gran escala que evoca el ritual como acto de duelo colectivo. Su formato de vídeo recuerda a la horizontalidad de los rollos desenrollados utilizados en la pintura tradicional asiática. Al reinventar la ceremonia chamánica como una forma de recuperación e invocar la mediación del chamán entre los vivos y los muertos, el artista (hermano del famoso director) Parque Chan Wook) Permite que el pasado habite el presente. En una entrevista, Chan Kyung habló sobre la colaboración entre los dos bajo el nombre PARKing Chance, un proyecto que les permitió hacer cortometrajes juntos y resultó fructífero para ambos en el desarrollo de nuevas ideas creativas.
Los traumas “sumergidos” profundamente arraigados y de larga data de la península de Corea son el tema del artista Jin Jin Kaisencuyo doble espectáculo presenta imágenes “sumergidas” a través de imágenes submarinas para rastrear la memoria de la masacre de Jeju de 1948, un evento que el gobierno suprimió mediante la revisión de libros de texto y la manipulación del lenguaje histórico. A lo largo de los siglos, muchos hombres murieron en el mar o en la guerra, y las mujeres empezaron gradualmente a bucear. Las mujeres que vemos en los videos son “haenyeo”, pescadores en apnea que actúan como guardianes de la memoria y figuras de la resiliencia individual.
La exposición comienza, de hecho, incluso antes de entrar a las salas principales, en el vestíbulo del MASI, donde Sojong Jun muestra “verde una pantalla”, un vídeo filmado a lo largo de la zona desmilitarizada entre las dos Coreas, trae de vuelta un lugar lleno de historia y suscita una reflexión sobre las fronteras geográficas.
Dos videos exploran la estética especulativa y postecnológica para explorar las intersecciones entre las lógicas algorítmicas, las manifestaciones urbanas y las conexiones que operan dentro de los regímenes neoliberales. Su trabajo revela cómo las tecnologías digitales expanden y fragmentan simultáneamente el concepto de uno mismo.
Lo central de la exposición es Eung Kim “Entrega de bailarina de campo.“(2022), que cuenta la historia de los viajes en motocicleta de un joven mensajero a través de Seúl que se transforman en un deslumbrante espectáculo algorítmico. La protagonista es una motociclista que circula a toda velocidad por la ciudad cuando se produce un fallo en el sistema de entrega en el que trabaja, dividiéndola en dos líneas de tiempo paralelas, enfrentándola a su contraparte. La obra, producida durante la pandemia de COVID-19, invita a reflexionar sobre la economía de los encargos, un sistema basado en el trabajo temporal y un mundo laboral cada vez más acelerado. Optimizado y orientado al rendimiento.
Todo el trabajo colectivo de eobchae comienza en formato digital y evoluciona a través del código, el diseño de sonido y la reproducción de video. La pieza que presentan en la exposición explora un futuro en el que la humanidad intenta adaptarse a un mundo despojado de recursos fósiles. El cuerpo humano se convierte en una máquina mejorada en nombre de la eficiencia, y una secta de ecologistas lo convierte en un sistema híbrido autosuficiente capaz de generar su propia energía.
en “fantasma1990(2021), artista Heechun Kim Muestra un vídeoclip vivido a través de un casco de realidad virtual, siguiendo un diálogo entre el pasado y el presente de un levantador de pesas que ha sufrido una lesión.
En otras obras, la pantalla se convierte en un lugar para la presentación y negociación de la identidad, y para la “canción” que celebra los orígenes mixtos, nacidos de la globalización, las historias de migración y los legados coloniales.
Sátira espantosa, creación de contenidos y formas populares de televisión: el serial’BJ cereza pandilla 2018.9”(iniciado en 2018 y aún en curso) por Songsil Ryu Presenta a un personaje ficticio que navega por el paisaje hiperconsumista y saturado de pantallas de la sociedad coreana contemporánea dentro de una economía impulsada por el capital. En un vídeo montado en la pared rodeado de imágenes cartográficas, la serie sigue una transmisión ficticia en vivo que ofrece comentarios satíricos sobre diversos fenómenos culturales coreanos, deseos pequeñoburgueses, símbolos de pertenencia, canales de descuento y eventos emergentes.
“Hecho en Corea“(2021) y”Sin dolor no hay ganancia(2022) Escrito por onegun che Son proyectos que se desarrollaron dentro AfroAsia Colectivofundada por Onejoon y el coordinador Sun A Moon, surgió de la comunidad en Seúl que se formó alrededor de una base militar estadounidense y los intercambios culturales que siguieron a la diáspora africana. Las obras exploran conexiones poco estudiadas entre Corea y África, rastreando las formas en que las ideologías de la Guerra Fría, la migración laboral y la propaganda visual vincularon a las dos regiones. Para el Che, el vídeo es un medio capaz de revelar cómo construimos nuestra percepción de la cultura en la que vivimos y las influencias híbridas que ésta forma a lo largo del tiempo.
Lo que comparten las obras de esta exposición no es una postura estética o ideológica unificada, sino más bien una conciencia compartida del cuerpo y la historia del país como territorio en disputa. El cuerpo sumergido en las aguas de Jeju, el cuerpo acelerado por la lógica algorítmica de la economía de los conciertos, el cuerpo hibridado y optimizado para la eficiencia posfósil, el cuerpo dividido en un tiempo virtual: en cada caso, el cuerpo se convierte en el punto de ruptura entre la historia colectiva y la subjetividad individual. En este sentido, para Corea del Sur el videoarte no es sólo un medio expresivo sino una herramienta cognitiva. Nació fuera de los círculos de control estatal e históricamente ha encarnado la posibilidad de otro tipo de visión, una visión alternativa, lateral y no autorizada. Hoy, en una era de saturación visual y de algoritmos que remodelan constantemente la percepción, hereda esta tensión y la impulsa, sometiéndola a un mayor escrutinio. La distancia geográfica no neutraliza el contenido: las distopías de la obra, los recuerdos borrados y las identidades diaspóricas narradas en las pantallas de Massey pertenecen a una imaginación global que nos concierne a todos, un laboratorio en el que las contradicciones de la modernidad tardía emergen con particular fuerza y claridad.
Palabras de Matilda Crosetti
