Nueva York– No es necesario que le digas esto a Beyoncé: la moda, cuando se hace bien, es nada menos que arte.
ahora, La superestrella de la moda Habrá otra oportunidad de sumar puntos. Cuando copresida la Met Gala en mayo, todos los ojos estarán pegados a las escaleras del Museo Metropolitano de Arte para ver cómo una de las mujeres más vistas del planeta, en su octava aparición en la Gala, explica el código de vestimenta: “La moda es arte”.
El museo anunció el código de vestimenta el lunes, junto con algunos detalles relacionados con la gala, incluidos los nombres de los nuevos invitados. Uniéndose a los principales copresidentes: Beyoncé, nicole kidman,La campeona de tenis Venus Williams y Anna Wintour de Vogue, un “comité anfitrión” dirigido por el diseñador Anthony Vaccarello y el cineasta Joey Kravitz y Los nombres van desde Sabrina Carpenter y Teyana Taylor hasta Lena Dunham y Misty Copeland. Las incorporaciones incluyen a la actriz Angela Bassett y la atleta Amy Mullins.
Ellos, y todos los demás asistentes, descubrirán qué ponerse el 4 de mayo. El código parece haber sido elegido para brindar la máxima flexibilidad. Y, bromea Andrew Bolton, curador del Mets Costume Institute: “Con suerte, será una pregunta poco convencional sobre ‘¿Qué es el arte de la moda?’ Polémica de una vez por todas.”
Para Bolton, sin embargo, la ocasión es interpretar a Hamlet. Como saben los asistentes a la gala, la gran fiesta no es sólo una recaudación de fondos para el instituto (un departamento autofinanciado) sino también una plataforma de lanzamiento para el desfile anual de moda de primavera. Comisariada por Bolton y su equipo, la exposición de este año, “Costume Art”, busca presentar la moda como un hilo conductor a lo largo de la historia del arte.
La exposición será la mayor, en términos de objetos, que el instituto haya realizado jamás: alrededor de 400 en total, o 200 trajes y 200 obras de arte dispuestas por parejas en todo el museo. “Es una bestia”, dijo Bolton, luciendo un poco cansado mientras guiaba a un periodista durante la inauguración de la exhibición en una visita reciente.
La idea, señaló, es examinar todos los aspectos del “cuerpo vestido” y dejar claro que la moda no sólo es arte (como lo han demostrado algunas exposiciones anteriores), sino que el arte es moda. “Es revertir lo que hemos hecho antes”, dice Bolton. “Ahora miramos el arte a través del lente de la moda”.
Lo que esto significa, en realidad, es que puedes ver un objeto de arte en una vitrina, por ejemplo, un jarrón de la antigua Grecia. Sobre la vitrina se exhibirá un vestido de la amplia colección de trajes del museo, que hace eco de la moda de las figuras del jarrón.
Por el momento, ese jarrón está representado por una pequeña fotografía en color, que está pegada en la pared de una pequeña sala de conferencias en las entrañas del museo, junto con docenas más, junto con innumerables notas Post-it. Bolton pasa mucho tiempo en este espacio, que parece más bien la habitación de un adolescente (aunque un adolescente muy culto).
Bolton recorre las paredes, señalando cada una de las 12 categorías organizadas para mostrar la variedad de cuerpos (y tipos de cuerpos) en el arte. Algunos son elaborados, como los cuerpos clásicos o los cuerpos desnudos.
Otros son ignorados, como el cuerpo discapacitado, el cuerpo envejecido o el cuerpo decrépito. Bolton señala que en el arte, el cuerpo corpulento se ha utilizado casi exclusivamente como símbolo de fertilidad. “Es como la idea de que el cuerpo no existe sin fertilidad”, dice.
Luego está el cuerpo embarazado, que ha sido descuidado tanto en la historia del arte como de la moda. Está representada aquí por un par de “Mujer embarazada” de Edgar Degas, una escultura naturalista que ofrece una mirada poco común a la maternidad del siglo XIX, con curvas exageradas y acolchadas en el vestido de 1986 de la diseñadora Georgina Godley, definida por las críticas de la moda feminista tradicional como “una feminista radical”.
La exposición, que busca enfatizar la diversidad de tipos de cuerpo, pretende permitir a los espectadores verse a sí mismos de alguna manera. Así, los maniquíes tendrán cabezas con superficies de acero pulido, como espejos, diseñadas por el artista Samar Hejazi.
Bolton, que ha sido curador de la exposición de disfraces más grande del Met, todavía dice que sintió una presión especial para hacer “algo espectacular” aquí. Porque “Costume Art” abre con fanfarria un nuevo y destacado hogar para las exposiciones de moda del museo. La nueva Galería Conde M. The Nast, creada a partir de lo que anteriormente era la tienda minorista del museo, ocupará aproximadamente 12.000 pies cuadrados (1.115 metros cuadrados) del Gran Salón del museo.
Por un lado, significa que los invitados a la gala ahora pueden ver cómodamente la exhibición y luego caminar fácilmente hasta la cena en el Templo Dendur, o alternar entre las dos. Un resultado más duradero: evitará que se formen colas en otras partes del museo, una vez que la exposición se abra al público el 10 de mayo.
Para “Arte de vestuario”, las galerías, que aún se están terminando, constan de dos salas principales de diferentes alturas: una con un techo de 18 pies y otra con un techo de 9 pies. La idea es que los visitantes entren y salgan de cada espacio. “Hay una permeabilidad”, dice Bolton.
Él considera que el nuevo programa ya es uno de los aspectos más destacados de su carrera y una declaración de intenciones.
“Estamos tratando de hacer una declaración: que esto es algo que podemos lograr”, explica. “Tenemos acceso a 16 departamentos curatoriales en todo el museo”. Y, por supuesto, acceso a las más de 33.000 prendas del instituto. “Realmente nadie más tiene esta habilidad”, dijo Bolton.
Espera que la muestra inaugure una era de colaboración no solo con nuevas galerías, sino con el resto del museo, una era que haga avanzar la moda.
“Costume Art” se extenderá del 10 de mayo al 10 de enero de 2027
