La música de cine es quizás la más escuchada pero menos escuchó A pesar de la ubicuidad de la música y el cine y de la invaluable contribución y la frecuente gloria artística que existen, adolece de una falta de apreciación.
Desde el principio tuvo un estatus vilipendiado dentro de la cultura clásica, lo que la mantuvo fuera de las salas de conciertos, donde posiblemente pertenecía como legítima sucesora de otras músicas orquestales de larga duración. Pero no ha sido apreciado por el público e incluso por la propia industria cinematográfica: basta con la decisión de no transmitir la sección de música original en la transmisión de los Globos de Oro del domingo, aparentemente debido a cuestiones de tiempo. (Ludwig Göransson ganó por “Sinner” y el programa aún duró más que “Avatar: Fire and Ash”)
En una misión para combatir esta subvaloración y la ignorancia general de la música de cine está el director Scott Dunn, quien se ha asociado con Wallis de Beverly Hills para formar una nueva orquesta, compuesta por Tess Session Players de Los Ángeles, dedicada a interpretar lo mejor de esta forma de arte.
“Para mí es interesante que tuviéramos todo este gran talento en nuestra ciudad y los ignoráramos”, dijo Dunn.
La Scott Dunn Orchestra debutó en mayo pasado con un concierto completo dedicado a Henry Mancini, seguido de una muestra de los modernistas de Hollywood de mediados de siglo en noviembre. Este sábado realizarán una gira de los años 70, en la que participarán Jerry Goldsmith (“Chinatown”), Nino Rota (“El Padrino”), Marvin Hamlisch (“La espía que me amó”), David Shire (“La conversación”) y, por supuesto, Juan Williams.
Dunn dice que probablemente sea el concierto más difícil que haya programado jamás: “Podría montar un segundo y tal vez un tercer programa de los 70 en 10 segundos, porque la lista es interminable”.
(Su próximo concierto, en mayo, se centrará en los compositores inmigrantes europeos que ayudaron a escribir el código de la composición musical de las películas de Hollywood en la década de 1930).
Los años 70 fueron una década fértil para la música cinematográfica. Algunos nuevos escritores de Hollywood estaban ansiosos por probar: “Barrio chino,” Compuesta como partitura sustitutiva en sólo 11 días, fue escrita para cuatro pianos, cuatro arpas y trompeta solista; Cuando la “conversación” fue solo un piano solo, el melancólico protagonista de la película, Harry Cale, se siente igual de solo. Otros nuevos directores querían algo de religión de antaño; Así, un joven Martin Scorsese forma equipo con el legendario Bernard Herrmann en “Taxi Driver”, y un joven Steven Spielberg recurre a John Williams, quien resucitó dramáticamente la grandiosa y sinfónica partitura narrativa.
También sopló un nuevo viento desde el otro lado del Atlántico, con compositores franceses e italianos importando la estética tanto del Viejo Mundo (Rota) como de la Nueva Ola (Michel Legrand) al cine estadounidense. Otro viento más sopló desde Broadway, con compositores como Hamlisch aportando extremos de melodía y sensibilidad. El programa de Dunn incluyó música de la partitura final del maestro del viejo Hollywood Miklos Rojsa para la película de 1979 “Time After Time”. Fue verdaderamente una década de transición.
Director Scott Dunn
(Kevin Parry)
Algunas de estas partituras, o al menos sus temas principales, se han escuchado en salas de conciertos. Pero incluso la mejor música de cine ha sido relegada a menudo al “pop” y a los conciertos de verano, con un veredicto absoluto entre las orquestas sinfónicas de que sólo debería combinarse con niños y mantas de picnic.
Es cierto que hoy en día la música de cine está en la agenda de todas las orquestas, pero sólo como segundo violín tras la gran proyección de una película popular. La Filarmónica de Los Ángeles se unió a una tendencia internacional de proyectar películas como “Jurassic Park” y “Home Alone” y reproducir sus partituras en vivo frente a las películas, un evento que Dunn dijo que esperaba que “traiga interés a la música cinematográfica, pero no se centró particularmente en la música o la calidad de la música. Se ha convertido principalmente en una forma de vender películas y entradas”.
“Lo cual es genial”, añadió rápidamente. “Atrae a la gente. Pero he descubierto que si quitas la película de la ecuación y tienes cuidado con la música elegida, puedes tener algunos conciertos realmente sorprendentes de esta música”.
Su modelo fue John Mauceri, quien fundó la Hollywood Bowl Orchestra en 1991 y dirigió aquí ambiciosos conciertos de música de cine durante 15 veranos. Moussari adoptó la posición de que “la atención debería estar en la partitura”, dice Dunn, quien ayudó a Moussari durante esos años, “que la imagen es en realidad un poco confusa, que la partitura funciona como música de concierto si se le da un masaje adecuado”.
Los obstáculos para la presentación de música cinematográfica en concierto no se impusieron, pero también desde dentro. El esnobismo y el desdén de la élite clásica fueron internalizados por la primera o segunda generación de compositores de Hollywood, quienes desestimaron su propio trabajo y rara vez intentaron reorganizarlo para su preservación musical o interpretación en conciertos. (Localizar partituras antiguas y hacerlas reproducibles, además de obtener licencias de los estudios y titulares de derechos, aumenta la dificultad de este tipo de conciertos).
Pero desde los albores de Hollywood, estos Wagner y Mozart modernos han sido una pasión para los cinéfilos que han desarrollado un tercer oído para escuchar profundamente y apreciar esta nueva y emocionante música interpretada con diálogos y efectos de sonido, música que se etiqueta peyorativamente como “de fondo” pero que es tan viva y conmovedora para nosotros.
Este pequeño club incluía a muchos músicos que habían tocado “Indiana Jones” en las bandas de su escuela y luego se unieron a orquestas profesionales y no podían esperar para tocar “Star Wars” en Disney Hall o Carnegie Hall. El club también tenía directores, por ejemplo Gustavo DudamelUn descarado fanático de la música de cine, así como Mousseri y David Newman, hijos del legendario compositor de cine Alfred Newman, quienes se convirtieron en expertos y defensores de los conciertos de música de cine.
Dunn llegó a este club girando a la derecha. Al crecer en Iowa, se sintió atraído por las partituras de canciones de Broadway en el piano de su familia y, con la ayuda de un gran maestro, se ganó un lugar en Juilliard. Pero los concursos de piano lo distraen y huye de la música; Se mudó a Los Ángeles y tomó cursos de premedicina en la USC, obteniendo la certificación de la junta como cirujano ocular.
Orquesta Scott Dunn
(Kevin Parry)
Por esta época, a principios de los años 90, Dunn vendió su casa; Uno de los compradores interesados fue Leonard Rosenman, el compositor ganador del Oscar famoso por “Rebelde sin causa”, quien notó el piano de cola Steinway y las partituras de nivel de competencia y reconoció que este “doctor” era en realidad un músico. Se conocieron y se hicieron amigos, y Rosenman convenció a Dunn para que volviera a la música.
Al principio volvió al piano, pero se convirtió en concertista solista, por lo que centró su atención en dirigir y crear música con una orquesta completa.
“No recomendaría ese camino; tratar de convertirse en un director de orquesta de talla mundial cuando tienes treinta y tantos años es una pelea realmente dolorosa”, dice.
Pero valió la pena. Dunn ha dirigido las mejores orquestas desde Los Ángeles hasta Sydney y ha acompañado a muchos artistas pop, además de defender la música cinematográfica. (A menudo hace arreglos y ocasionalmente se sienta al teclado).
¿Hay público para esta música? Dunn golpea una mesa de madera y dice que han agotado las entradas para todos los conciertos hasta ahora. Espera que futuros conciertos celebren la música cinematográfica de los compositores franceses Randy Newman (“Creo que es nuestro Schubert moderno”) y, naturalmente, John Williams (“Quiero explorar algunas de sus increíbles partituras menos conocidas”).
Esta música de “fondo” merece toda la atención de Los Ángeles.
