de esta temporada nominados al oscar El montaje cinematográfico tiene una cosa en común: afrontar el trauma. Sobre invita a los editores de cada película a desglosar una escena clave que muestre su oficio.
‘F1’
“F1” da impulso a su historia de los desamparados con un montaje de carreras intrincadamente construido.
(Imágenes de Warner Bros.)
Editor: Esteban Mirion
escena: El montaje en el que Sonny Hayes, el desgastado corredor de Brad Pitt, comienza su racha ganadora con un impulso de Gran Premio que genera impulso.
“Había más de una docena de versiones estructuradas de cómo estábamos atravesando esta historia”, dice la ganadora del Oscar Mirion (“Traffic”). El montaje de alto octanaje de tres minutos se benefició de 5.000 horas de metraje filmado por 20 cámaras alrededor de la pista. fue Se comporta como un rompecabezas gigante.Con el orden de carrera movido para lograr el máximo efecto. La clave fue combinar imágenes de la cámara con imágenes transmitidas de carreras reales que ofrecieran accidentes felices como lluvia y choques. “En un momento, todo se centró más en el piloto novato Joshua [Damson Idris]” añadió Mirrion. “Pero luego nos dimos cuenta de que Sonny era visualmente más interesante en términos de su estrés al lidiar con el trauma de su accidente casi fatal. Y luego, una vez que lo miramos en contexto, no eran sólo ellos dos y su rivalidad, sino también el equipo que se había unido en torno a Sony”.
‘Marty Supremo’
Una cena en “Marty Supreme”, protagonizada por Timothée Chalamet como Marty Mouser, conduce a un flashback sorprendente.
(A24)
Editor: Ronald Bronstein, Josh Safdie
escena: Inquietante escena de cena/flashbacks del Holocausto del desagradable empresario Milton Rockwell (Kevin O’Leary).
De esta escena Drama psicológico ambientado en los años 50Vemos la motivación de la búsqueda obsesiva de Marty (Timothée Chalamet) por el tenis de mesa: el orgullo judío y el instinto de supervivencia. “La pasión antagónica de la escena de la cena en Rockwell involucra a varios personajes, cada uno con una agenda temática distinta”, dijo Bronstein. “Acción de corte [with close-ups and extreme close-ups] se vuelve inseparable de sus sentidos y emociones”. Sin embargo, Bronstein lo lleva al extremo con un extraño flashback de Auschwitz que involucra a Bella (Geza Rohrig), invitada a cenar de Marty. Gracias a sus habilidades en el tenis de mesa, Bella desarma una bomba para los nazis en el bosque. Pero cuando descubre una colmena, deja cicatrices en su cuerpo y comparte la miel con sus compañeros de prisión. “Está en una cuerda. Como la zanahoria que cuelga frente a mí todo el tiempo, y cuando llego al final de ese intercambio, puedo liberarme y pasar a una herramienta completamente nueva, que es mucho más expresiva”, añadió Bronstein.
‘Batalla uno contra uno’
Leonardo DiCaprio como Bob Ferguson, acercándose al final de la culminante persecución de autos “Uno a uno”.
(Imágenes de Warner Bros.)
Editor: Andy Jurgensen
escena: Persecución de coches en una montaña rusa climática
Jurgensen organizó la mejor persecución de autos de Vistavision de la historia para este Paul Thomas AndersonSu turbulenta acción padre-hija. Es allí donde la adolescente Willa (Chase Infinity) se convierte en heroína al burlar y matar a un matón contratado (John Huzenaker), que la persigue cuesta arriba y cuesta abajo, seguido de cerca por el desconcertado exrevolucionario padre de Willa, Bob (Leonardo DiCaprio). Filmada a alta velocidad, la escena en realidad está moldeada por la ubicación única de San Diego llamada Texas Deep, que luce épica en formato horizontal de 8 perforaciones/35 mm. El cruce hitchcockiano entre los tres coches, a favor del punto de vista de Willer, se logró con primeros planos desde los espejos retrovisores y laterales. La superposición de paisajes sonoros propulsores y la partitura de percusión de Jonny Greenwood completaron la descarga de adrenalina. Pero el final del tierno reencuentro entre padre e hija requirió volver a filmar. “En el momento en que Bob llegó al lugar del accidente, cuando hicimos la primera escena, corrió hacia ella y se abrazaron”, recuerda Jorgensen. “Cuando vimos los diarios, no nos pareció auténtico. Así que lo volvimos a filmar con más carne: Willa cuestionando a todos y Bob teniendo que ganarse su confianza demostrando su identidad con un código secreto”.
‘Valor sentimental’
Nora de Renate Rainaway tiene un papel en la nueva película de su padre “Sentimental Value”.
(Kaspar Tuxen-Andersen)
Editor: Cutie en el bolso de Olivia
escena: La actriz Nora Borger (Renate Reinsvé) romper el miedo en la etapa inicial
En el drama familiar de Joachim Trier, Nora se enfrenta al trauma generacional de los Borg mientras se reúne con su padre, el director Gustav (Stellan Skarsgård), del que estaba distanciado. Después de un montaje inicial de la historia en capas de su hogar en Oslo, que Nora escribió una vez en un ensayo escolar, nuestra introducción a la Nora adulta se revela a través del caos y el humor de su ataque de pánico antes de una actuación. Pero encontrar esta secuencia fascinante requiere primero atravesar un grupo muy largo de clientes que entran al teatro y se sientan, y la cámara descubre a Nora encogida de miedo detrás del escenario. “Fue muy aburrido”, insistió Coute. “Pero aquí empezamos con la cara de Nora. ¿Dónde estamos? ¿Se ha convertido en actriz? Y luego, poco a poco, te das cuenta. No hay reglas, sólo ritmo”.
‘pecador’
Jaime Lawson interpreta “Pale, Pale Moon” en una escena fundamental de “Sinner”.
(Imágenes de Warner Bros.)
Editor: Michael Shaver
escena: La actuación violenta de Pearline (Jaime Lawson) en “Pale, Pale Moon”
En el espectáculo IMAX de Ryan Coogler, donde El blues choca con los vampirosLa monstruosa transformación comienza con el canto de sirena de Pearline: “Luna pálida, pálida”. Fue la secuencia más atrevida de Shavar, cruzando su fascinante actuación con pisotones rítmicos de la multitud, trampas con cartas y la vampira recién llegada Mary (Hailee Steinfeld) seduciendo y asesinando a Stack (Michael B. Jordan). “Cuando se grabó por primera vez, fue tres o cuatro veces más largo que la canción real para grabarla e interpretarla”, explicó Shaver. “Y Ryan lo vio y le gustó lo que vio, pero quería reducirlo a la duración de la canción. En ese primer momento me pregunté si era el editor adecuado, pero ese miedo y ansiedad te dan cierta libertad para encontrar esas conexiones espirituales que eventualmente se forman en esta etapa final. Realmente se trataba de la capacidad de Ryan para conectarse con la audiencia y desbloquear estas cosas juntos a nivel personal”.
