De Daido a Araki: Dentro de la escena artística en Japón después de la guerra
Un nuevo libro de Themes & Hudson revela cómo se sorprendió y convirtió a Japón después de la guerra en una ola radical De la creatividad
Este mes, 50 años desde los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki, se han encontrado con los eventos que dejaron una señal inolvidable no solo en Japón, sino también en el alma mundial. También representa el encendido de una de las melodías más en el siglo XX de la ropa de vanguardia: un período en el que los artistas japoneses se tambalean de la conmoción de la guerra y la ocupación, lo que puede arrancarlos de tradiciones a inventar nuevas formas de expresión increíbles. Se arrojan fuera de los límites de una sociedad rígida y compatible, que fueron pioneras en el campo de la estética radical a través de la fotografía, el teatro, la danza, la aclaración y el diseño gráfico.
Revolución del arte japonésY publicado el 25 de septiembre por Themes & Hudson, es la primera cuenta integral en el idioma inglés de este movimiento cooperativo, que se llama su origen, diseñador y autor, Amélie Ravalec, es inevitable. “Este sentimiento, de presenciar la peor humanidad en una distancia cercana y la necesidad de idear algo completamente nuevo de los escombros, está pasando por todas las obras de esa época”, como le dije a otro. “Estos artistas se enfrentaban juntos, usando el cuerpo, el lenguaje, la imagen y el gesto para hacerlo”.
Dados los orígenes armados del término de vanguardia, que indica que la primera línea del ejército, se vuelve más fácil ver el espíritu de estos artistas radicales como un juego de vanguardia cultural que libera la guerra contra la conferencia. Aunque muchas de sus acciones aparecieron a raíz de la decepción política y la protesta generalizada, contra la presencia militar estadounidense, la jerarquía jerárquica y la jerarquía institucional, se ha distanciado de las ideologías del partido de sus antepasados comunistas. En cambio, adopte una política más amplia y existencial de la oposición: social, moral y filosófica.
“En el corazón de esta transformación, el deseo de liberar fue: de las tradiciones, del realismo, del peso de las ideas recibidas”, refleja Ravalec. “Los artistas ya no están interesados en representar al mundo honestamente: querían expresar algo personal, personal y urgente”.
Boh, una forma de teatro de danza japonesa, apareció durante este período como una realización real de los pulsos devastadores y de perspicacia. Dependiendo de Dada, el surrealismo y los elementos de Sadia, dirigió el profundo shock psicológico de la guerra a un lenguaje de baile de primera intensidad, una vida brillante que representaba en la carne. La inauguración de Potoh, The Probidden Colors (Kingi) (1959), fue escrita por Tatsomi Haikata, fue una interpretación horrible de la novela de Yukio Mishima prohibida del mismo nombre, que involucra los temas de los tabúes de la homosexualidad, la reproducción sexual y la violencia. Entre las ruinas de las bombas cubiertas de bombas y alcantarillas increíbles en los cuerpos internos recubiertos de color blanco, cabezas de afeitar, retorcidas, patadas e inquietantes a través de la oscuridad.
“Los años sesenta eran la edad del cadáver”. Sientes esto con un POTO, pero también en otros lugares, el cuerpo no solo está sujeto, sino también los materiales. Se encuentra en las famosas imágenes de Hosoe Eikoh de Yukio Mishima, donde la forma humana se convierte en una arquitectura emocionante; En el arte pop de Yokoo Tadanori; En el juego de teatro subterráneo de Terayama Shuji; Y en las actuaciones intensivas en las calles del Centro de Arte Artístico Desconocido, que dejó el escenario y retractó la vida real. “En este momento, el arte era intenso, caótico, arraigado en una experiencia en vivo”, dice Rafalek. “El movimiento, el cuerpo, los rituales, el dolor y la diversión fueron partes integrales de su vocabulario”.
Históricamente, Japón ha adoptado un enfoque más abierto para la actividad sexual del oeste cristiano. “Los cuerpos no estaban ocultos en vergüenza, y los artistas en esta generación de vanguardia son profundidad de esta tradición”, refleja Ravalec. “La emoción sexual se ha convertido en parte de la elevación de la trascendencia, que es una herramienta para pagar contra los límites de lo que se permite, que se puede presentar, dijo o imaginar”.
Una de las increíbles expresiones de esto fue la fotografía en todas partes KinbakoO la esclavitud de la cuerda, en el trabajo de artistas como Nobuchi araki. Dependiendo de una tradición japonesa de siglos, donde la cuerda conlleva importancia simbólica y ritual, estas acciones exploran la relación íntima, la desviación, el poder y el control con una dependencia inesperada.
La fotografía de Japón en este tiempo se ha convertido radicalmente, desde documentar la vida pública hasta la extracción de las profundidades de la experiencia especial. Publicación 1968 Provoca Esta ruptura encarna el estado de la fotografía como un acto que va más allá del lenguaje, una respuesta material instintiva a la realidad rota que rechazó la cohesión o el control. En 1965, Kawada Kikogi escribió Mapa La belleza de la belleza en el terrorismo porque puso las cicatrices de Hiroshima en una serie de paisajes textuales abstractos. Sin embargo, para la década de 1970, los artistas aman Daido Mooreama Estaban haciendo más preguntas existenciales. Sus amados y caóticos libros de la vida de Tokio en la calle rechazaron los estándares estéticos, que buscan la verdad en la agitación diaria. “Para Moria, no era el punto estético o el significado de la configuración, sino preguntar sobre la fotografía”, dice Rafalek.
La expansión de la obra de arte representada en Revolución del arte japonés La fácil clasificación se resiste, sin embargo, hay una sensación sorprendente de temas comunes que unen a los creadores. Ya sea enfrentando sexo, locura o decadencia, cada artista se mueve entre las líneas de grietas entre la luz y la sombra, el aireus y los thanatos, personales y políticos. Debajo de las notas superiores caóticas, se encuentra en un profundo intento de comprender el mundo que se derrumbó. “Estos artistas no intentaron reconstruir lo que se perdió. Invocaron algo completamente nuevo de los escombros”, reflexiona Ravalec. “Creo que la vanguardia japonesa en las décadas de 1960 y 1970 sigue siendo un testimonio crudo y desafiante sobre la flexibilidad del espíritu humano y el poder de la imaginación contra las atrocidades”.
Revolución del arte japonés por Amili Rafalek Fue publicado por Thames & Hudson y está fuera del 25 de septiembre de 2025.
